domingo, 20 de diciembre de 2015

Muere el reconocido director de orquesta alemán Kurt Masur

Activo pacifista tras la caída del Muro de Berlín, Masur dirigió durante 11 años la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

A la edad de 88 años murió este sábado (19.12.2015), en la localidad de Greenwich (EE. UU.) el reconocido director de orquesta alemán Kurt Masur. La noticia fue confirmada a la agencia dpa por la portavoz de Masur, Anna-Barbara Schmidt. El director se convirtió, tras la caída del Muro de Berlín, en uno de los más solicitados del mundo y encabezó orquestas como la Filarmónica de Nueva York o la Orquesta Nacional de Francia. Entre 1970 y 1996 estuvo al frente de la renombrada Gewandhausorchester de Leipzig, de la que era hasta hoy director de honor.

Mediante un comunicado, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, cuya batuta Masur empuñó de 1991 a 2002, honró la trayectoria del director germano en un comunicado. El presidente de la Filarmónica, Matthew VanBesien, señaló que “con profunda tristeza escribo en representación de la familia Masur y de la Filarmónica de Nueva York” para notificar del deceso de quien era director emérito de esa institución.

Su trabajo durante 11 años al frente de la orquesta neoyorquina “dejó un legado que perdura hasta ahora”, destacó VanBesien. A Masur se le atribuye haber inyectado un renovado vigor a la Filarmónica. “Lo que recordamos de forma más vívida es la profunda convicción de Masur de que la música era una expresión de humanismo”, apuntó VanBesien, rememorando que la orquesta dio conciertos gratuitos tras el ataque a las Torres Gemelas, en 2001.

“No a la violencia”

Además de por su labor musical, Masur destacó también por su compromiso político con la llamada “revolución pacífica” que precipitó la caída del Muro de Berlín. Él fue uno de los firmantes de la convocatoria “No a la violencia” lanzada durante las manifestaciones pacíficas contra el régimen de la Alemania comunista que comenzaron precisamente en Leipzig, ciudad donde también estudió piano y composición.

El músico sufría desde hace varios años del mal de Parkinson y había realizado enormes esfuerzos para ayudar al surgimiento de nuevos directores. En 2012 se cayó en pleno concierto y se fracturó la clavícula. Un año más tarde volvió a sufrir una caída en Tel Aviv y se rompió la cadera. El sepelio será celebrado en un círculo íntimo, señala el comunicado de la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Además, habrá un acto público de conmemoración. DW.COM | 19.12.2015


domingo, 4 de octubre de 2015

Chopin fue un revolucionario

BUENOS AIRES, 28 (ANSA) - Frederic Chopin, Ludwig van Bethoven, Maurice Ravel, Johann Sebastian Bach, Enrique Granados y Alberto Ginastera, entre muchos otros compositores, son interpretados con refinado estilo en el marco del Festival Internacional de Piano Chopiniana 2015, que se desarrolla en Buenos Aires.

El evento, organizado por la Fundación Chopiniana y dirigido por la pianista argentina Martha Noguera, se celebra en la capital argentina desde 2001 y ha permitido conocer a más de 150 pianistas notables de distintos países.

Los elegidos de este año son el argentino Rodrigo Tavera, el esloveno Ivan Skrt, el croata Goran Filipec y el polaco Raphael Lustchevsky, quien se presentará el 30 de septiembre en el Palacio Paz de la Ciudad de Buenos Aires.

Los representantes de Europa del Este dominan la grilla en la presente edición. 

"El criterio de selección de los pianistas es, simplemente, que sean muy buenos ya que queremos ofrecer al público una programación de jerarquía", dijo a ANSA Noguera, quien viaja por todo el mundo para escuchar a nuevos talentos.

En realidad, aseguró, "son nuevos o desconocidos en Argentina" pero son reconocidos tanto en sus países de origen como en el resto de Europa. La pianista argentina sostuvo que "fue mera casualidad" que este año hubiera tres intérpretes de Europa del Este. 

"Aunque no podemos olvidar que la referencia de Chopin fue la Escuela Superior de Música de Varsovia", apuntó.

La directora del festival relató a ANSA que se toma el tiempo para escuchar a todos los postulantes durante el período de selección: "En ese momento descubro el fuerte de cada uno", subrayó.

"Una vez seleccionados, les pido que en su interpretación incorporen a un compositor desconocido y una pieza de Chopin, por supuesto", apuntó.

Si bien el repertorio de Noguera incluye a Ravel y Beethoven, Chopin es su preferido. También ella estudió en Varsovia -con el pianista Jan Eckier- y obtuvo muchos reconocimientos internacionales por haber interpretado la obra completa del autor de "Polonesa Op53 Heróica". 

El galardón más preciado fue la Gran Cruz de Caballero recibida en el año 2000 por el entonces presidente de Polonia, Aleksander Kwasniewski.

"Además de la belleza de su música y su virtuosismo, Chopin fue un verdadero revolucionario en materia de composición", afirmó Noguera.

La obra del compositor polaco, uno de los grandes exponentes del romanticismo musical, se caracteriza por el perfeccionamiento de las técnicas musicales, el refinamiento estilístico y su elaboración armónica: revolucionó la música clásica instrumental con mayores ritmos, sonidos épicos y la mezcla del piano con los sonidos tradicionales de las regiones eslavas.

"Al introducir las 'variantes' no solo cambió la perspectiva compositiva sino que obligó a los pianistas, y me incluyo, a superarnos a nivel estético en forma continua", explicó.

En ese sentido, dijo la pianista, los participantes de este año superaron las expectativas, por su innovación y su estilo.

El argentino Rodrigo Tavera, ganador del II Concurso de Piano Chopiniana de Argentina, se lució, entre otras piezas, con la Sonata Nº7 en Si bemol mayor, Op 83, del compositor y pianista ucraniano Sergei Prokofiev (1891-1953).

En cuanto a Chopin, el esloveno Ivan Skrt emocionó con "Tres preludios Op 28, Nº17, 10 y 13 y el polaco Raphael Lustchevsky promete lo propio con "Berceuse Op.57, Barcarolle Op.60". ansa.it

domingo, 6 de septiembre de 2015

″Variaciones″ en el Beethovenfest de Bonn

La edición 2015 del tradicional Beethovenfest tendrá lugar entre el 4 de septiembre y el 4 de octubre en Bonn y alrededores. El término "Veränderungen" (Transformaciones) encuentra en el ámbito de la música su traslación en el género y la técnica de las variaciones. El propio Beethoven hizo gran uso de ellas y la ciencia ha demostrado el placer que el oído humano encuentra al reconocer un elemento musical que ya conoce transformado en otra cosa.

Siendo este el lema del Beethovenfest 2015, no podían faltar las célebres Variaciones sobre un vals de Diabelli escritas por el compositor de Bonn. Entre el 10 y el 14 de septiembre, habrá una serie de citas con esta obra, con el pianista Andras Schiff como protagonista del concierto estelar.

Lo viejo y lo nuevo

Es tradicional que el Beethovenfest realice un encargo de una obra nueva a un compositor actual. En esta ocasión, será el italiano Salvatore Sciarrino quien estrene una obra que ha concebido a partir de laFantasía Coral de Beethoven.

La orquesta en residencia será Anima Eterna, que durante su última visita al Beethovenfest presentó una grabación con las Sinfonías de Beethoven interpretadas con técnicas históricamente informadas y con instrumentos originales. La formación que dirige Jos van Immerseel trae en programa en esta visita a coetáneos de Beethoven que no son tan conocidos como el compositor de Bonn, como el sueco Franz Berwald y el francés George Onslow.

Grandes nombres en programa

El concierto de apertura correrá a cargo de Daniel Barenboim y su Staatskapalle Berlín. Otras dos grandes formaciones sinfónicas que visitarán el Auditorio Beethoven de Bonn serán la exuberante Budapest Festival Orchestra, con dirección de Ivan Fischer, y la Filarmónica de Viena bajo la batuta de Philippe Jordan. También estará presente el gran director Zubin Mehta al frente de la Filarmónica de Israel para interpretar la Novena Sinfonía de Gustav Mahler.

La música de cámara también tendrá su hueco en el Beethovenfest 2015. Un nuevo proyecto para recorrer las Sonatas para violonchelo y piano de Beethoven arranca esta edición. Entre los intérpretes que abordarán este ciclo, la violonchelista argentina Sol Gabetta. Cultura | DW.COM | 03.09.2015

sábado, 4 de julio de 2015

Carlos Gardel, a 80 años de su muerte: Los inicios

1917 Gardel fotografiado por José María Silva
(Charles Romuald Gardès; Toulouse, Francia, 1890 - Medellín, Colombia, 1935) Cantante, compositor y actor argentino de origen francés o tal vez uruguayo; según esta segunda hipótesis, habría nacido en 1887 en Tacuarembó, Uruguay.


A finales de la década de 1920, la identificación de Gardel con el tango era ya un fenómeno de ámbito universal. Desde entonces nunca ha dejado de reconocerse su papel esencial en el desarrollo y difusión del tango y su condición de mejor intérprete de la historia del género. Como suele suceder con las figuras de tan enorme dimensión popular, la biografía del "zorzal criollo" está teñida de leyendas, y su fama póstuma apenas ha menguado con el paso de las décadas. Durante muchos años fue habitual ver cómo mucha gente peregrinaba hasta la tumba de Carlos Gardel para pedirle salud y trabajo; en Argentina, la expresión "es Gardel" equivale a "es incomparable".

La persona y la imagen de Gardel ha sido objeto de idolatría popular, especialmente en Argentina y Uruguay, colocándolo en un lugar de mito y símbolo cultural que aún mantiene su vigencia. En 2003 la voz de Gardel ha sido registrada por la Unesco en el programa Memoria del Mundo, dedicado a la preservación de documentos patrimoniales.

No hay unanimidad sobre el lugar y la fecha de su nacimiento. La teoría uruguayista sostiene que nació en Tacuarembó, Uruguay, un 11 de diciembre entre 1883 y 1887. La teoría francesista sostiene que nació en Toulouse, Francia, el 11 de diciembre de 1890. Hay unanimidad en el hecho de que vivió desde su infancia en Buenos Aires y se nacionalizó argentino en 1923. Falleció el 24 de junio de 1935 en Medellín, Colombia, en un accidente aéreo.

Madre Bèrthe Gardès
Para la tesis francesista Marie Berthe Gardes, cuyo nombre castellanizado fue Berta Gardés, fue la madre biológica de Charles Romuald Gardes, cuyo nombre fue castellanizado en Buenos Aires como Carlos Gardés y luego transformado en Carlos Romualdo Gardel por el propio cantante. En esta versión, Gardel habría estudiado en el Colegio Salesiano Pio IX de Buenos Aires, donde permaneció pupilo en 1901 y 1902.

La tesis uruguayista sostiene que Marie Berthe Gardes obró como madre adoptiva de Carlos Gardel. Algunos integrantes de esta corriente, sostienen que Gardel pudo haber cursado al menos el primer grado en la Escuela de 2.º Grado de Varones del barrio Sur de Montevideo.

Ambas teorías coinciden en el hecho de que Gardel fue abandonado por su padre y que vivió en Buenos Aires al menos desde 1893, en habitaciones de conventillos que compartía con su madre, aunque con intermitencias que varían según el historiador. Recién en 1927 Gardel comprará una casa en el barrio del Abasto, donde se mudará con su madre.

Ambas teorías coinciden también en que el joven Gardel, durante la primera década del siglo XX, pudo haber tenido conductas y frecuentar ámbitos ubicados en los márgenes de la legalidad, de lo que dan cuenta algunos prontuarios policiales que lo mencionan.


La teoría francesa, dice que Carlos Gardel tuvo esa infancia castigada por la adversidad que parece caracterizar a todo héroe arrabalero y triunfador. Su madre, Bèrthe Gardès, nunca llegó a saber con exactitud quién era el padre de aquel hijo nacido el 11 de diciembre de 1890 en el hospital de La Grave (Toulouse) y bautizado con el nombre de Charles Romualdo, si bien una parte importante de los estudiosos sostiene que los datos anteriores son una fabulación encaminada a ocultar su condición de hijo ilegítimo de Carlos Escayola y María Lelia Oliva, y que en realidad nació el 11 de diciembre de 1887 en Tacuarembó (Uruguay).
Más tarde, en los suburbios de la ciudad de Buenos Aires, adonde Bèrthe Gardès huyó en busca de unas migajas de fortuna cuando Gardel aún no había cumplido los tres años, se resignó a ver cómo su vástago o su hijo adoptivo correteaba entre las casuchas de Retiro, Montserrat o Los Corrales, y se buscaba la vida pateando calles destartaladas y sucias, creciendo con resentimiento, congoja e inseguridad.

Charles se convertirá pronto en Carlitos, un muchacho despierto, simpaticón e irascible cuya única ansia consiste en alcanzar el lujo de los ricos y ganar montañas de dinero. Con dieciocho años desempeña toda clase de pequeños trabajos y ya deja oír su aterciopelada voz en esquinas, reuniones familiares y garitos. Detesta el trabajo duro, rinde culto al coraje, santifica la lealtad a los amigos y se esfuerza por imitar a los adinerados acicalándose con un esmero narcisista y casi femenino.

Por aquel entonces, ese "pensamiento triste que se baila" de incierto origen, llamado tango, comenzaba a hacer furor en París. Sus intérpretes más destacados viajaban al continente y regresaban con los bolsillos a rebosar. Carlos, a quien le gusta el canto casi tanto como la "guita", cambia la "s" final de su apellido por una l y prueba fortuna en algunos cafés de los barrios periféricos bonaerenses, en los que se presenta con el sobrenombre de "El Morocho"; ante la sorpresa de propios y extraños, manifiesta una aguda sensibilidad y un temperamento artístico completamente original.

Su interés y sus aptitudes lo inclinan hacia el tango canción o tango con letra, escasamente cultivado hasta ese momento. En efecto, el tango estaba por entonces culminando su proceso evolutivo que lo había llevado de ser una música alegre (en compás de dos por cuatro y de origen posiblemente cubano) que se bailaba de forma un tanto procaz en las fiestas de las clases populares de Buenos Aires, a convertirse en un lamento cantado, una música nostálgica y desgarrada que los porteños acomodados habían aprendido a admirar y a bailar y que Gardel estaba destinado a dar a conocer en todo el mundo.

Gardel con José Razzano, alrededor de 1915
Cuando en 1915 forma pareja con José Razzano, intérprete de tangos que ya goza de alguna fama, ninguno de los dos sospecha que en pocos años van a convertirse en ídolos tanto de los entendidos como de un amplio sector de público. Fue a raíz de una apoteósica actuación en el teatro Esmeralda de Buenos Aires, en 1917, cuando el personal estilo de interpretar el tango de Carlos Gardel caló hondo en el público porteño y dio al dúo Gardel-Razzano una fulminante celebridad.

Referencias

lunes, 29 de junio de 2015

Fallece Chris Squire, bajista de la banda de rock progresico "Yes"

NUEVA YORK (AP) -- Chris Squire, el bajista y cofundador de la banda de rock Yes quien recientemente anunció que padecía leucemia, falleció a los 67 años, según una declaración emitida el domingo por los miembros de su banda.

La banda publicó una declaración en su página en Facebook en la que dijo que Squire "falleció pacíficamente" el sábado en Phoenix, donde vivía.

Squire anunció el mes pasado que padecía de una forma de leucemia. Estaba recibiendo tratamiento poco antes de morir.

"Con el mayor pesar y una tristeza insufrible debemos informarles sobre el fallecimiento de nuestro querido amigo y cofundador de Yes, Chris Squire", dijo la declaración de Alan White, Steve Howe, Jon Davison y Geoff Downes.

Squire nació el 4 de marzo de 1948 en Londres. Cofundó la banda con su antiguo cantante principal, Jon Anderson y el grupo produjo su primer álbum en 1969. Squire fue el único miembro del grupo que actuó en todos los álbumes de Yes.

"Durante toda la existencia de Yes, Chris fue el eje de la banda y el vínculo que la mantuvo unida a lo largo de todos estos años", agregó la declaración. "A causa de sus notables proezas como ejecutante de guitarra de registro bajo, Chris influyó sobre incontables bajistas en todo el mundo, incluso muchos artistas bien conocidos en la actualidad".

Squire, talentoso músico, fue uno de los líderes del rock progresivo en la década de 1970. Su cibersitio indica que actuó en un coro de niño.


Produjo su debut como solista "Fish Out of Water" en 1975 y también tocó en el supergrupo XYZ de corta duración, que incluyó a Jimmy Page.

Yes presentó el álbum "Heaven & Earth" el año pasado. Los éxitos ganadores de Grammy de la banda incluyen "Roundabout" y "Owner of a Lonely Heart", que ocupó el primer lugar en Billboard en la década de 1980. El grupo hará gira por Estados Unidos con Toto en agosto, en la que Billy Sherwood reemplazará a Squire.

A Squire le sobreviven su esposa Scotland y varios hijos.


sábado, 27 de junio de 2015

Carlos Gardel, a 80 años de su muerte: ¿Argentino, uruguayo o francés?

- El ícono que universalizó el tango. "El zorzal criollo" o simplemente Carlos Gardel, "el mudo", con su cara de ángel y una voz insuperable, consiguió llevar el ritmo porteño por el mundo y por eso, 124 años después, países y ciudades reclaman ser el lugar de su nacimiento.

En las biografías oficiales se discuten dos teorías: la primera es que nació en Toulouse, Francia en diciembre de 1890, fue bautizado con el nombre de Charles Romuald Gardes y fue llevado a la Argentina hacia 1893, donde residió en el barrio del Abasto de Buenos Aires durante toda su infancia.

La segunda afirma que Carlos Gardel nació en Tacuarembó, un pequeño pueblo ubicado en el norte de Uruguay, en 1887 y que fue llevado de seis años de edad a vivir a Buenos Aires.

La base de esta segunda teoría estaba sustentada, entre otros, en una cédula de identidad expedida por la República Argentina que reconocía un certificado de nacionalidad uruguayo.

En dicho documento se afirmaba que el "Morocho del Abasto" había nacido en Tacuarembó. Pero nunca se había logrado ver o registrar en alguna investigación. Con los años se había convertido en casi un mito.

Hasta que se se dio a conocer la imagen del documento y se confirmó que una copia sería llevada como prueba al museo de Gardel en Tacuarembó.

Teoría uruguaya

Cuando Gardel murió calcinado por las llamas en Medellín el 24 de junio de 1935, en su pasaporte, que fue rescatado de las cenizas, se podía leer que su lugar de nacimiento había sido Tacuarembó, Uruguay.

Desde entonces, especialmente desde la década del 60, se inició una cruzada para desmentir lo que para muchos era una verdad irrefutable, que el cantante había nacido en Toulouse, Francia.

"Hasta 1920, Gardel era un indocumentado que vivía en Argentina. Ese año, Uruguay emite una amnistía para que todas las personas en esta situación se puedan registrar. Es ahí donde Gardel diligencia su primer documento: el registro de nacionalidad uruguayo", señaló la investigadora argentina Martina Iñiguez.

Un Gardel robusto es el que se puede ver en su primera cédula expedida por la 
República Argentina en 1920.
Iñiguez, quien por años ha documentado la teoría uruguaya sobre Gardel, sostiene que en ese papel, se consigna que se llamaba Carlos Gardel, que había nacido en Tacuarembó el 11 de diciembre de 1887 y que era hijo de Carlos y María.

"A partir de eso, él inicia el registro de todos sus papeles: cédula, enrolamiento, entre otros. El apellido es posible que lo haya tomado de alguien famoso que había muerto por esos días. Eso es lo que sabemos", explicó Iñiguez.

La cédula

La prueba reina es una libreta colorada, percudida por los años, que corresponde a la cédula de identidad de Carlos Gardel. El documento, con huella y firma, dice que nació en Uruguay.

La fotografía obtenida muestra que el documento fue expedido por la República Argentina el 4 de noviembre de 1920.

Durante décadas, Iñiguez estuvo buscando la cédula de Gardel de la que tanto se hablaba. Solo hasta hace un par de años supo que estaba en manos de un coleccionista privado que no quería dar a conocer el documento de forma pública.

"Es importante porque fue el primer documento que tuvo Gardel en su vida y cada vez que lo renovó, siempre puso el mismo lugar de nacimiento. Hasta ahora, nunca habíamos podido tener alguna imagen", anotó

Prueba de ADN

En esta parte del documento se puede leer que su 
lugar de nacimiento fue Tacuarembó.
En Tacuarembó la noticia alertó a sus habitantes. Cada año, 15.000 turistas -de los cuales unos 1.500 son extranjeros- llegan a la ciudad para conocer la que sería la cuna del hombre que le dio voz al tango.

Después de conocerse la existencia del documento, funcionarios del gobierno local de esta ciudad uruguaya se pusieron en contacto con el coleccionista y con Iñiguez, con quien habían trabajado anteriormente, para adquirir algo relacionado con el papel.

"Desde este miércoles tenemos una copia de la imagen en nuestro museo. La idea es que podamos tener el documento real, que nos ayude a corroborar que este fue el lugar donde nació Gardel", dijo el director general de Cultura de la Intendencia de Tacuarembó, Carlos Arezo.

Sin embargo, a pesar de la evidencia, todavía no queda la certeza sobre cuál teoría tiene la razón. Para eso, explican tanto Arezo como Iñiguez, se debe hacer una prueba ADN a los restos de Gardel, enterrados en el cementerio de la Chacarita en Buenos Aires, y los de sus supuestos padres, Carlos Escayola y María Lelia Oliva, quienes están sepultados en Tacuarembó.

"En varias ocasiones se le ha solicitado al gobierno argentino que permita realizar una prueba de ADN, que daría fin a esta disputa, pero se han negado. Es la única forma de que se confirmaría lo que nosotros sabemos por nuestras investigaciones, que Gardel nació en Uruguay", anotó.

La disputa continua, como lo admite Iñiguez, pero para ellos cada día está más cerca la certeza de que Carlos Gardel nació en Uruguay. "Te lo dice una argentina", concluye.


Kirill Petrenko, nuevo director de la Filarmónica de Berlín

Quienes hace poco más de un mes daban por seguro que la cosa estaba entre el letón Andris Nelsons y el alemán Christian Thielemann se habrán llevado una gran sorpresa. La expectación mediática mundial suscitada el pasado 11 de mayo, cuando la decisión sobre el sucesor de Rattle en el podio de la Filarmónica de Berlín se convirtió en un espectáculo de primera magnitud, supuso un momento de presión para los músicos.

En aquel entonces, sonaban principalmente dos nombres: el alemán Christian Thielemann era el preferido por el sector conservador de la orquesta, mientras que los músicos más renovadores se decantaban por el letón Andris Nelsons.

Nacido en 1972 en Omsk, una ciudad en el sureste de Siberia, en Rusia, la formación de Kirill Petrenko es, sin embargo, eminentemente germana. El antisemitismo llevó a su padre, violinista, a emigrar con toda la familia a Austria, donde Petrenko se formó como pianista. 

Debutó como director de ópera en 1995 y trabajó en la Ópera Popular de Viena. Se ha curtido como director invitado en los principales teatros del mundo y con las más importantes orquestas. Fue director general de la Ópera Cómica de Berlín entre 2002 y 2007. Desde la temporada 2013-2014 dirige la Ópera Estatal de Baviera en Múnich y ha dirigido la Tetralogía wagneriana en dos ocasiones en Bayreuth.Finalmente será otra gran batuta la que sucederá a Rattle a partir de 2018. 

Así se anunció el lunes (22.06.2015) en una multitudinaria rueda de prensa celebrada en la sede de la orquesta en Berlín. El procedimiento de elección, por votación de los músicos, es único en el ámbito de las grandes orquestas y considerado revolucionario para una institución que ha tenido batutas como las de Hans von Bülow, Arthur Nikisch, Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan, Claudio Abbado y Simon Rattle.

viernes, 15 de mayo de 2015

Muere la leyenda del Blues, B.B. King

15 mayo (Reuters) - La leyenda del blues B.B. King, que popularizó el blues e influyó en una generación de músicos de rock desde Eric Clapton a Stevie Ray Vaughan, murió a los 89 años de edad, dijo USA Today la noche del jueves.

El abogado de King, para siempre vinculado con las guitarras Gibson que bautizó con el nombre de "Lucille", dijo que el músico falleció en Las Vegas.

La noticia de su muerte, confirmada en una cuenta de Facebook vinculada con el sitio de internet de la hija de King, Claudette, sacudió a las redes sociales, donde las estrellas del mundo de la música le rindieron tributo.

King fue hospitalizado en abril por unos pocos días después de sufrir de deshidratación relacionada con su diabetes tipo 2. En mayo, el artista dijo en su cuenta de Facebook que estaba en su casa con cuidados médicos paliativos.

Nacido en una plantación, King sobrevivió a otros grandes del blues de la posguerra -Muddy Waters, Howlin' Wolf, Jimmy Reed, Lightnin' Hopkins y John Lee Hooker- para ver como la música surgida de los campos de algodón del sur segregado de Estados Unidos llegaba a un nuevo público.

"Ser un cantante de blues es como ser negro dos veces", escribió King en su autobiografía, "Blues All Around Me", respecto a la falta de respeto que esa música recibió en comparación con el rock y el jazz.

"Mientras que el movimiento por los derechos civiles estaba luchando por el respeto de la gente negra, yo sentí que estaba luchando por el respeto del blues", agregó.

En el 2003, la lista de la revista Rolling Stone de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos clasificó a King en el tercer puesto, sólo por detrás de Jimi Hendrix y Duane Allman.

El roquero canadiense Bryan Adams dijo en Twitter que King fue "uno de los mejores guitarristas de blues, tal vez el mejor. Él podía hacer más con una nota que cualquiera".

En una línea similar, Lenny Kravitz tuiteó: "BB, cualquiera podría tocar un millar de notas y nunca decir lo que tú dijiste en una".

El rapero Snoop Dogg, el líder de la banda Kiss, Gene Simmons, y el ex Beatle Ringo Starr se encontraban entre los artistas que publicaron tributos a King.

Artistas británicos lamentan la muerte de B.B. King

Actores y músicos británicos lamentaron hoy la muerte del músico estadounidense B.B. King, fallecido a los 89 años en Las Vegas (EEUU), y que dejó un legado inigualable en el mundo del blues.

El actor Hugh Laurie, que publicó dos álbumes de blues en los años 2011 y 2013, escribió en su perfil de la red social Twitter: "Oh Dios. BB King. Dejemos que los tiempos tristes fluyan".

Por su parte el cantante Will Young señaló que BB King es el "cantante y guitarrista más maravilloso de la música blues".

"Recomiendo que todo el mundo se haga con uno de sus discos y escuche lo que es un alma y un espíritu verdaderos", agregó Young en su cuenta personal de Twitter.

El exBeatle Ringo Starr mostró sus condolencias a través de la misma red social y destacó que "Dios bendiga a BB King" y expresó deseos de "paz y amor" para la familia.

King está considerado como uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos de la música blues y contó con 6 premios Grammy en su trayectoria y más de 50 discos en casi 60 años de carrera.

Algunos temas que compuso y que marcaron una época son "Three O'Clock Blues", "The Thrill Is Gone" y "When Love Comes to Town", su célebre colaboración con los irlandeses U2.

B.B. King en 4 videos









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#Obama sobre #BBKing, "Hoy habrá una sesión genial de blues en el cielo"

Washington, 15 may (EFE).- El presidente de Estados Unidos, Barack Obama, lamentó hoy la muerte del músico B.B. King, fallecido en Las Vegas a los 89 años, al destacar que el país "ha perdido a una leyenda" y que "esta noche habrá una sesión genial de blues en el cielo". "El blues ha perdido a su rey y Estados Unidos ha perdido a una leyenda", comentó Obama en un comunicado divulgado por la Casa Blanca.

Según Obama, "nadie trabajó más duro" que King, hijo de un aparcero de Misisipi que emigró a Memphis (Tennessee) para labrarse una carrera musical, y "nadie hizo más para difundir la verdad del blues".

Obama recordó el concierto de blues en la Casa Blanca en 2012 en el que participó B.B.King, en el marco de las veladas musicales que el presidente y su esposa, Michelle, han organizado en los últimos años para homenajear estilos como el jazz, los ritmos latinos o el "soul".

Tan relajado estaba Obama en ese concierto que, pese a que opuso algo de resistencia cuando Buddy Guy lo animó a cantar, finalmente tomó el micrófono y entonó unas líneas de "Sweet Home Chicago", la canción que cerró la noche.

"No esperaba que me convencieran para cantar unas líneas de 'Sweet Home Chicago' con B.B. (King) al final de la noche, pero ese era el tipo de efecto que su música tenía y todavía tiene", relató el mandatario en el comunicado.

King "puede haberse ido, pero esa emoción estará con nosotros siempre. Y esta noche habrá una sesión genial de blues en el cielo", concluyó.

El "rey del blues" falleció este jueves en Las Vegas (Nevada, EEUU) a la edad de 89 años, según su abogado, tras haber sido hospitalizado por una deshidratación en abril.

Siempre junto a su inseparable guitarra Gibson apodada "Lucille", King ganó a lo largo de su carrera quince premios Grammy, más que ningún otro músico de blues.
Silvio Rodríguez dice que el blues pierde mucho con la muerte de B.B. King

La Habana, 15 may (EFE).- El cantautor cubano Silvio Rodríguez lamentó hoy la muerte del músico estadounidense B.B. King, fallecido a los 89 años en Las Vegas, y resaltó que con su fallecimiento el mundo del blues pierde mucho.

"Me parece que con BB King se le va mucho al blues. Cierta orfandad en el aire", escribió hoy Rodríguez, uno de los músicos más importantes de Cuba y fundador de la llamada Nueva Trova, en el foro de su blog Segunda Cita.

King, considerado uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos de la música blues, contó con seis premios Grammy en su trayectoria y más de 50 discos en casi 60 años de carrera.

Algunos temas que compuso y que marcaron una época son "Three O'Clock Blues", "The Thrill Is Gone" y "When Love Comes to Town", su célebre colaboración con los irlandeses U2.

Riley B. King nació el 16 de septiembre de 1925 en una plantación de Itta Bena (Misisipi) donde empezó a tocar hasta que en 1947 hizo autostop en dirección a Memphis para labrarse una carrera musical.

miércoles, 25 de marzo de 2015

El jazz es una música de integración que puede combatir el racismo: Wynton Marsalis

Santiago de Chile, (EFE).- El jazz "es una música de integración que puede combatir el racismo", dijo hoy a Efe el músico estadounidense Wynton Marsalis, considerado el trompetista más brillante del último cuarto de siglo.

A juicio del artista, que aterrizó hoy en Chile junto a Jazz at Lincoln Center Orchesta para ofrecer dos conciertos en Santiago, el jazz ha cumplido esa función integradora en la historia estadounidense.

Así lo aseguró al ser preguntado sobre los disturbios en Ferguson (Misuri) y en otras ciudades tras la muerte de un joven negro por disparos de policías blancos.

"El racismo y el tribalismo están muy arraigados en Estados Unidos, y de hecho, hasta se enseña en las escuelas", comentó el legendario jazzista, quien añadió que la discriminación de los afroamericanos no es un problema exclusivo del Estado de Misuri, sino de "los tribunales estadounidenses".

En ese contexto, puntualizó que el jazz puede ser una herramienta para combatir el racismo, pues este género musical de mediados del siglo XIX "nació integrando los suburbios" estadounidenses a partir de las tradiciones de África occidental, Europa y Norteamérica.

"La música que interpretaban grandes músicos como Benny Goodman, Charlie Parker o John Birks, conocido como Dizzy, tenía que ver con la integración y el respeto por la gente de todo el mundo", remarcó.

Un legado que, a su parecer ha quedado plasmado en la idiosincrasia del jazz, donde "no importa si la persona con la que tocas es de Inglaterra o de otro color, porque todos provienen de la misma tradición".

Marsalis, quien recordó con especial emoción su participación en el concierto organizado en Chile por Amnistía Internacional en 1990, recién recuperada la democracia en el país austral, dará inicio este viernes a la temporada 2015 del Teatro Municipal de Santiago.

En su concierto, el artista interpretará tanto temas originales como tradicionales del jazz, en los que la improvisación tendrá un papel "preponderante".

Al ser preguntado por los retos que todavía le quedan por cumplir, el músico galardonado con nueve premios Grammy afirmó que aún "debe aprender a tocar mejor la trompeta", pues, a su parecer, el aprendizaje es algo que nunca finaliza y siempre debe "perfeccionarse".

Aunque en Santiago Marsalis actuará delante más de un millar de espectadores en cada función, el ovacionado director y arreglista de jazz aseguró que lo que más satisfacción le produce es "tocar delante de 10 o 15 personas a las dos de la madrugada, en un pequeño club de jazz".

Respecto de la composición de los temas, el músico, manifestó su interés actual por desarrollar "música profunda y complicada, con muchos guiños a la historia".

Una obsesión que, entre los músicos coetáneos, le ha hecho merecedor del título de "purista", algo que no parece importar a uno de los trompetistas más prodigiosos de la historia, pues, tras más de tres décadas, asegura seguir pasándolo "muy bien" y sintiéndose "libre" sobre los escenarios.

sábado, 21 de marzo de 2015

Lennon; Ningún artista puede ser un líder revoluionario

PAPANTLA, México (AP) -- Para Sean Lennon, cuyo célebre padre marchaba contra la guerra en Vietnam y se metía en la cama por días para exigir un mundo pacífico, la música ha dejado de ser la solución a todos los problemas.

"No veo a ningún artista que pueda ser, en la actualidad, un líder revolucionario como Bob Dylan, mi padre, John Lennon, o Bob Marley; tal vez surja uno, pero hasta el momento nadie", dijo el viernes el primogénito del fallecido Beatle y la artista japonesa Yoko Ono, durante una rueda de prensa con motivo de su participación en la 16ª edición del Festival Cumbre Tajín.

"¿Bono?", le sugirió un periodista al músico neoyorquino y líder de la agrupación The Ghost of a Saber Tooth Tiger, también conocida como The Goastt.

"Mmm... Bono es un revolucionario de lentes oscuros en el mundo de la moda. Muy progresivo él", dijo en tono bromista Lennon sobre el líder de la banda irlandesa U2, quien también se ha caracterizado por su activismo social. "¡Mentira! Bono es un buen tipo, lo conozco y me cae bien. Él ha hecho cosas buenas con sus lentes oscuros", agregó el compositor de 39 años.

Para Lennon el internet es lo que hoy en día ha tomado el control para difundir información, y las movilizaciones sociales son producto de los datos que los ciudadanos suben a través de Twitter, Facebook, blogs y medios alternativos, mismos que han llegado a imponerse ante la televisión, presionar jueces, modificar leyes e incluso movilizar pueblos para derrocar a gobernantes.

"La información que la gente difunde a través de Internet es lo que ahora nos puede salvar", afirmó el rockero quien compartía escenario el viernes con las agrupaciones estadounidenses The Flaming Lips, Incubus, The Cold and Lovely y la mexicana Sak Tzevul, en la segunda jornada de Cumbre Tajín, festival que se realiza anualmente en el estado de Veracruz, al sureste de México.

"Antes eran los gobiernos y las corporaciones los que controlaban a la gente, y realmente era un tipo de lavado de cerebro; pero ahora tenemos mayor control sobre la comunicación, ya no es el gobierno, ni los bancos los que pretenden darnos la solución", añadió.

Junto con The Ghost of a Saber Tooth Tiger- a la que también pertenece su novia, la modelo estadounidense Charlotte Kemp Muhl- Sean Lennon era uno de los actos principales en la segunda jornada de Cumbre Tajín, que desde el jueves y hasta el 23 de marzo se realiza en el Parque Temático, ubicado muy cerca de la zona arqueológica de Papantla, cuna de la cultura totonaca.

Macklemore & Ryan Lewis, Carlos Santana, Aterciopelados y La Mala Rodríguez serán otras de las estrellas de la 16a edición.

El encuentro cultural cuenta este año con la colaboración de la Universidad de Música de Berklee en Boston, el festival británico Glastonbury y la organización fundada por Yoko Ono, Non Violence Project.

miércoles, 25 de febrero de 2015

La soprano Anna Netrebko ofrecerá recital en el Palacio de Bellas

- La soprano Anna Netrebko ofrecerá recital en el Palacio de Bellas

- El programa estará conformado por arias de óperas como Macbeth, El Trovador y Luisa Miller de Verdi; Andrea Chénier de Giordano y Adriana Lecouvreur de Cilea 

Con una imagen más madura y la elegante y seductora presencia que la caracteriza, la soprano rusa austriaca Anna Netrebko regresa a México para ofrecer un recital este miércoles 25 de febrero en el Palacio de Bellas Artes.

En esta ocasión, la cantante estará acompañada del tenor Yusif Eyvazov con quien interpretará duetos de las óperas Otelo de Verdi y Manon Lescaut de Puccini. La música estará a cargo de la Orquesta de Teatro de Bellas Artes, bajo la batuta de Srba Dinic.

El resto del programa estará conformado por arias de óperas como Macbeth, El Trovador y Luisa Miller de Verdi; Andrea Chénier de Giordano y Adriana Lecouvreur de Cilea.

En conferencia de prensa, la soprano rusa austriaca dijo sentirse feliz de estar en México, luego de 10 años de su primera visita, y aseguró que se trata de un maravilloso recital "con ópera, ópera, ópera, cuya primera parte estará dedicada a Giuseppe Verdi y, la segunda, a música popular".

De acuerdo con Anna Netrebko, la ópera es un arte vigente que siempre estará apuntalado en la figura de los cantantes: "Pienso que la ópera no sólo hoy, sino siempre, es un espectáculo que necesita de maravillosos cantantes, con bellas voces y carisma. 

"Debe haber también un director escénico que esté dispuesto a sorprender, una fantástica escenografía, algo para lo que se necesita mucho dinero, pero la voz es y seguirá siendo lo más importante".

Sobre la forma en que ha cambiado su forma de interpretar, al pasar de papeles ingenuos y ligeros a interpretaciones vocalmente más exigentes y de carácter, la intérprete explicó: "Llevo ya más de 20 años cantando y debo asumir que mi voz y cuerpo se han transformado. Ha cambiado también mi carácter y me siento muy cómoda cuando actuó en el escenario. Ahora me son más confortables los roles dramáticos".

Anna Netrebko posee una extensa discografía que incluye álbumes como solista y todos han obtenido discos de platino por sus ventas en Alemania y Austria. Ha sido nominada al Grammy y ha compartido el escenario con casi todas las grandes compañías, incluyendo la Metropolitan Opera, Royal Opera House de Covent Garden en Londres y Ópera Bávara de Múnich.

Aunque los boletos para la presentación en Bellas Artes se encuentran agotados, se anunció que el recital será transmitido en vivo en pantallas gigantes colocadas a las afueras del recinto con el fin de que sea disfrutado por el mayor número de personas interesadas.

jighInfo con información de CONACULTA 

domingo, 22 de febrero de 2015

Valentina Lisitsa, la estrella de la música clásica de la generación YouTube

La plataforma de Internet Youtube ha hecho famosa a Valentina Lisitsa. En 2007, a sus 33 años de edad, cuando su carrera ya no avanzaba más, la pianista estadounidense de origen ruso subió su primer video a la red. En él toca una pieza de Rajmáninov con un instrumento bastante desafinado. “En aquel entonces, YouTube era algo nuevo, y casi solo había videos pirata. Fui una de las primeras en subir un video legal”, cuenta Valentina. “Quise encontrar mi público”, añade.

Y lo encontró: su popularidad en Internet creció inmensamente. Cada vez subía nuevos videos, y pronto contó con su propio canal en la red. Hoy en día tiene 120 mil suscriptores, y sus videos han sido vistos más de 62 millones de veces. “Son 50.000 personas por día. Es como si cada día tocara en un estadio de fútbol. ¡Sin Internet esto no sería posible!”, señala la música, cuya popularidad virtual supera la popularidad de muchos colegas más famosos.

Internet, un folleto de publicidad de lujo

“Para mí, Internet solo fue una plataforma de publicidad. YouTube funcionó como un folleto de publicidad de lujo. No obstante, mi meta es lograr que las personas vayan a mis conciertos”.

En 2012, la pianista de YouTube ofreció su primer concierto “offline” y tocó frente a un público de 5.500 personas en la Sala Royal Albert Hall, en Londres. Fans de todo el mundo acudieron al evento. La pianista cuenta que para encontrar un protagonista para un documental de la cadena BBC mandó un tuit a sus seguidores y recibió la respuesta de 138 personas de 30 países que estaban dispuestas a ser entrevistadas.

“Nada en el mundo puede reemplazar la experiencia de un concierto en vivo. La música nace en ese momento mágico cuando en la sala todo se vuelve silencioso y mi público y yo viajamos a otra dimensión”, explica Valentina Lisitsa.


La música clásica del futuro

Algunos observadores creen ver en el “fenómeno Lisitsa” al fan de la música clásica del futuro: con un comportamiento auditivo altamente individual, en búsqueda de información, pero escéptico con respecto a la publicidad de la industria musical. Las novedades sobre la pianista solo se difunden por las redes sociales.



Ahora, la industria de la música intenta apropiarse del éxito de la artista, a quien califica como “la nueva estrella”. Sin embargo, este estrategia de comercialización solo muestra la incapacidad de sus expertos de no haber descubierto mucho antes a esta música tan carismática, creativa y de una técnica perfecta.

El “fenómeno Lisitsa” no es solo una historia de éxito inusual, sino que también sirve de motivación a muchos nuevos artistas que deberían ser descubiertos.

miércoles, 28 de enero de 2015

Filarmónica de Berlín rinde homenaje a las víctimas de Auschwitz

Durante el régimen nazi, la Filarmónica de Berlín se llamó “Orquesta del Reich”. 70 años más tarde, toca un concierto con violines de las víctimas del Holocausto y sobrevivientes. El primer violín: un israelí.

El violinista israelí Guy Braunstein toca su instrumento desde los siete años. Ya desde niño estuvo en los grandes escenarios e hizo carrera como solista. Con 21 años dio por primera vez un concierto con la Filarmónica de Berlín. Braunstein estaba entonces en el ejército israelí.

En el 2000 se incorporó con un contrato fijo a la Filarmónica de Berlín, que lo convirtió en el primer violín más joven que haya tenido jamás la orquesta. Braunstein permaneció 13 años en Berlín, hasta que optó por continuar su carrera de solista.

Ahora regresó, para el concierto conmemorativo del 70 aniversario de la liberación de Auschwitz.

Violines de la esperanza

Es un concierto especial, en memoria de las víctimas del Holocausto, al que también asisten sobrevivientes. Igualmente el violín de Braunstein es especial. Fue traído especialmente desde Tel Aviv a Berlín –con otros 16 más- para el concierto “Violines de la esperanza”. Proviene del taller de Amnon Weinstein, quien ha dedicado su vida a restaurar instrumentos de la época del Holocausto y a rescatarlos del olvido, junto con la historia de sus antiguos dueños.

El violín que escogió Braunstein para este concierto relata una historia trágica, pero también esperanzadora, porque el hombre al que perteneció logró sobrevivir. Nunca pudo volver a tocar el instrumento, porque los recuerdos eran demasiado tremendos. Pero no quiso que ese violín ni su historia fueran olvidados, así que lo levó al taller del padre de Amnon Weinstein. Ahora vuelve a prodigar música, en manos de Guy Braunstein.

La memoria de los instrumentos musicales

“Cada vez que toqué el violín en los ensayos fue impresionante”, dice, acotando que “nosotros, los artistas, no somos buenos para expresar algo en palabras; nosotros hablamos a través de nuestros instrumentos”.

“Tal como los músicos creemos firmemente que las salas de concierto llevan música en sus muros, yo creo también que un instrumento recuerda qué se tocó con él y en cuáles circunstancias”, dice Sir Simon Rattle, encargado de abrir la velada conmemorativa. “Cuando uno escucha estos instrumentos, siente lo que han vivido”.

También Rattle tiene una relación personal con este concierto. Su mentor, Rudolf Schwarz, quien fuera largo tiempo de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, sobrevivió al campo de concentración de Auschwitz.

Orquesta de la reconciliación

Para Weinstein y para Braunstein, este concierto es “una victoria sobre los nazis”. Un triunfo por partida doble, porque la Filarmónica de Berlín no es una orquesta cualquiera. En tiempos de Hitler, actuaba a las órdenes del Ministerio de Propaganda de Goebbels. Bajo la dirección de Wilhelm Furtwängler, sirvió hasta fines de la guerra a los afanes representativos del régimen y confirió el marco musical a los congresos del partido nacionalsocialista en Núremberg y a los Juegos Olímpicos.

Los integrantes de la orquesta fueron sometidos a examen para determinar si eran arios, y cuatro destacados músicos tuvieron que abandonarla y marcharse al exilio.

A diferencia de lo ocurrido con otras orquestas, los músicos que solo tenían padre o madre judíos podían permanecer en ella. Ese es uno de los motivos por los cuales el papel de Wilhelm Furtwängler resulta controvertido hasta el día de hoy.

“La Filarmónica de Berlín era el rostro de Alemania en tiempos de los nazis y también lo es hoy”, sostiene Guy Braunstein: “Pero el de hoy es un rostro hermoso. Yo soy judío, soy israelí, y he tocado 13 años con la Filarmónica de Berlín. No puede ser más simbólico que toque ahora estos violines con esta orquesta”.