domingo, 9 de noviembre de 2014

Beethoven, banda sonora de la caída del Muro de Berlín

Las emocionantes imágenes de la gente agolpándose en Berlín en noviembre de 1989 tras la caída del Muro tienen una banda sonora: la música de Beethoven, que este domingo sonó en la Puerta de Brandeburgo.

Miles de personas se reunieron en torno al símbolo de la unidad alemana, la Puerta de Brandeburgo en Berlín. Allí tuvo lugar el plato fuerte de las celebraciones por los 25 años de la caída del Muro y la música de Beethoven estuvo una vez más presente. 

La orquesta y coro de la Staatskapelle Berlín, dirigida por Daniel Barenboim, junto con un deslumbrante plantel de solistas: Renée Fleming, soprano, Elina Garança, mezzosoprano, Jonas Kaufmann, tenor y René Pape, bajo, interpretaron el célebre cuarto movimiento de su Novena Sinfonía.

El propio Daniel Barenboim instauró hace años la tradición de interpretar con su orquesta la obra beethoveniana en el concierto de Año Nuevo que ofrece su formación. La idea procede de los tiempos de la caída del Muro. Pocos días después del gran hito histórico, el 12 de noviembre de 1989, el conocido director de orquesta y humanista argentino-israelí dirigió a la Filarmónica de Berlín en un concierto especial en el que sonó el primer Concierto para piano y la rítmica Séptima Sinfonía del compositor de Bonn.

Ocasión festiva

La prensa recogió entonces las declaraciones de algunos ciudadanos del Berlín oriental sobre el programa de concierto. Según relata Daniel B. Dennis en su libro Beethoven in German Politics (Beethoven en la política alemana), una emocionada mujer, cuyo marido e hijo habían muerto en la Segunda Guerra Mundial, aseguró que esta festiva música era la más “adecuada” para celebrar la ocasión. Un hombre dijo que el concierto significaba “la reconciliación del pueblo alemán”, mientras que otra persona declaraba que Beethoven era “la mejor música posible para la señalada ocasión”. Sin embargo, esta última persona, puntualizó también que, aunque era consciente de que dificultades técnicas habían impedido que sonara la Novena, esta última hubiera sido la mejor música, “porque ahora volvemos a ser hermanos”, argumentó.

Durante las semanas siguientes a la caída del Muro, la música de Beethoven como símbolo de los acontecimientos cobró fuerte presencia en la prensa. El diario alemán Die Welt se refirió a la ópera de liberación Fidelio como metáfora del proceso que había tenido lugar en la RDA. El editorial de Die Welt exhortaba a los “prisioneros” de la RDA a continuar con sus acciones liberadoras: “Ahora, al menos, el coro puede decidir si desea cantar la pieza hasta el final”, concluía el texto.

“Libertad” en lugar de “Alegría”

El 18 de diciembre de 1989, el violinista Yehudi Menuhin dio un concierto benéfico para la “reconstrucción del centro histórico de la ciudad de Berlín”, con la obertura Egmont y la Cuarta Sinfonía de Beethoven. Un día después, el violinista Norbert Brainin y el pianista Günther Ludwig tocaron tres Sonatas del compositor de Bonn en la Berlin Hochschule für Musik, como “muestra de alegría por el desarrollo de los acontecimientos en la RDA”.

Un año más tarde, el director estadounidense Leonard Bernstein ofreció dos conciertos de celebración. Para la ocasión programó la Novena de Beethoven en dos días consecutivos en la Berlin Philharmonie y en la Berlin Schauspielhaus. Ambos conciertos fueron retrasmitidos en vivo para el público que se agolpaba en la Breitscheidplatz y en la Platz der Akademie, así como para 36 países del mundo vía satélite. 

Los miembros de la orquesta procedían de todas las naciones que tomaron parte en la Segunda Guerra Mundial. Bernstein leyó una breve alocución alusiva al festejo, diciendo que en lugar de “Freude” (“alegría”), la palabra que usó Schiller en el poema que utilizó Beethoven para el cuarto movimiento, los cantantes entonarían la palabra “Freiheit” (“libertad”). “Estoy seguro de que Beethoven nos hubiera dado su bendición”, dijo Bernstein.


miércoles, 15 de octubre de 2014

Stephen Hawking participa en el nuevo disco de Pink Floyd

(EUROPA PRESS) - El físico teórico Stephen Hawking participa en la canción 'Talkin' Hawkin' del primer disco de Pink Floyd en 20 años, que llegará el 10 de noviembre con el título de 'The Endless River'.

La voz electrónica de Hawking ya apareció en otra canción del grupo, 'Keep Talking', perteneciente al disco de 1994 'The Division Bell', de cuyas sesiones precisamente ha surgido el material de 'The Endless River', convenientemente actualizado.

Y es que el contenido del álbum se desprende de las sesiones del hasta ahora último trabajo de la banda, 'The Division Bell' (1994), en el que participaron David Gilmour, Rick Wright (fallecido en 2008) y Nick Mason.

En 2013, David Gilmour y Nick Mason volvieron a escuchar la música de aquellas sesiones que no llegó a publicarse, y decidieron que había material para actualizarlo y elaborar todo un nuevo disco.

Capitaneados por Gilmour y Mason, los músicos han pasado el último año grabando y actualizando las canciones, utilizando los avances tecnológicos surgidos durante las dos últimas décadas para crear 'The Endless River'.

Este nuevo disco es, por tanto, un tributo a Rick Wright, cuyos teclados tienen una importancia capital en el sonido de Pink Floyd. Su contenido es principalmente instrumental, aunque cuenta con una canción, 'Louder Than Words', con letras de la mujer de David Gilmour, Polly Samson.


Beethoven, Superestrella

Ta-ta-ta-taaa… Pocos motivos musicales clásicos han sido revisitados con tanta frecuencia como las notas iniciales de la Quinta Sinfonía de Beethoven; pero esa no es la única de sus piezas que conquistó el mundo del pop.

Las melodías compuestas por Ludwig van Beethoven (1770-1827) nunca han dejado de ser citadas por otros artistas y el rastro que ese hombre dejó en la historia de la música es tan profundo que hasta su nombre se convirtió en fuente de inspiración. Como muestra, un botón: la canción Roll over Beethoven, del cantante y guitarrista estadounidense Chuck Berry, que aludía al genio alemán como un canon contra el cual cabía rebelarse en la movida década de los cincuenta.

Las melodías compuestas por Ludwig van Beethoven (1770-1827) nunca han dejado de ser citadas por otros artistas y el rastro que ese hombre dejó en la historia de la música es tan profundo que hasta su nombre se convirtió en fuente de inspiración. Como muestra, un botón: la canción Roll over Beethoven, del cantante y guitarrista estadounidense Chuck Berry, que aludía al genio alemán como un canon contra el cual cabía rebelarse en la movida década de los cincuenta.


A finales de los años sesenta la premisa dejó de ser “rock en lugar de Beethoven” para convertirse en “rock y Beethoven”. Los Beatles habían grabado una versión de Roll over Beethoven, como también lo hicieron los Rolling Stones, Uriah Heep y Status Quo en diferentes épocas; pero John Lennon fue más allá y compuso la canción Because en 1969 basándose en la estructura invertida de la sonata Claro de luna de Beethoven. “Yo le pedí a Yoko que tocara los acordes de esa sonata, pero al revés. Así surgió Because”, contó Lennon alguna vez.

La banda holandesa Ekseption se hizo muy popular ese mismo año al hacer arreglos rock de temas clásicos; su versión de la Quinta Sinfonía de Beethoven conquistó el hit parade europeo en esa oportunidad. Varios años más tarde, Walter Murphy consiguió un éxito similar al interpretar la misma pieza de Beethoven al compás de la música disco y persuadir al productor de la película Saturday Night Feverde incluir su versión, A fifth of Beethoven, en la banda sonora del filme. Ese sigue siendo elsoundtrack más vendido de todos los tiempos.


Uno de los álbumes más célebres del cantautor estadounidense Billy Joel es An innocent man, en el que le rinde tributo a sus influencias musicales, el rock y el pop de los cincuenta y los sesenta, pero también las creaciones de su compositor predilecto: Ludwig van Beethoven. Y estos son sólo algunos ejemplos de cómo el coloso alemán ha echado raíces profundas, alimentado los repertorios de artistas tan disímiles e influenciado tradiciones musicales tan distintas de la clásica y la romántica.

Jimmy Page rememora carrera musical en libro con 650 fotografías

LONDRES (Reuters) - El músico Jimmy Page, del legendario grupo británico de rock Led Zeppelin, publicó un nuevo libro que seguramente será apreciado por sus seguidores más acérrimos.

Con casi 3 kilos y cerca de 650 fotografías, "Jimmy Page" tiene un peso apropiado para el hombre que popularizó el "riff" de guitarra en el rock pesado.

También es bastante costoso, con un precio de 40 libras esterlinas en Gran Bretaña y 60 dólares en Estados Unidos.

Pero los seguidores son seguidores y cuando se publicó una edición limitada bastante más cara hace algunos años, se agotó rápidamente.

En una entrevista con Reuters, quedó claro que Page está orgulloso del nuevo libro, que comienza con una foto de él cantando de niño en un coro y termina con una imagen más actual, tocando su guitarra favorita.

"Es un término horrible, pero es un viaje", comentó Page, de 70 años.

"Ves los cambios de moda, los cambios en guitarras, en actitud. Ves a este hombre creciendo y ganando años mientras va en este viaje", agregó Page, hablando de sí mismo en tercera persona.

El libro está lejos de ser la típica autobiografía.

Hay pocas palabras en la obra, y las que están se usan principalmente para vincular cientos de fotos que siguen la vida de Page desde un joven que tocaba en The Yardbirds y Led Zeppelin hasta su carrera como solista, su actuación en un típico autobús inglés en los Juegos Olímpicos de Pekín 2008 y su premio a la cultura por parte del Kennedy Center en el 2012.

"Muestra una carrera en la música. Cuando veo autobiografías o biografías de músicos, siempre miro para ver qué fotografías escogieron", comentó Page.

En el libro figuran imágenes de todas sus presentaciones famosas, como Wembley en 1971, Knebworth en 1979 y la reunión del 2007.

Sin embargo, también están momentos más oscuros, como una reunión con Andy Warhol, la presentación en un club danés en 1968 como The New Yardbirds y una actuación junto al rapero Puff Daddy.

Durante la entrevista, Page muestra el máximo grado de entusiasmo cuando surge el tema de una nueva banda, aunque asegura que Led Zeppelin no se reagrupará.

"El próximo año, estaré trabajando con músicos", dijo, insinuando que parte de su reciente trabajo de marketing para el libro y la remasterización de algunos álbumes de Led Zeppelin lo han alejado demasiado de su guitarra.

"Tengo algo (de música) que estoy escribiendo actualmente, tengo nueva música que ha escrito en los últimos años y que no he grabado", anticipó.

lunes, 22 de septiembre de 2014

Pink Floyd lanza nuevo disco en noviembre

(EUROPA PRESS) - Pink Floyd han presentado detalles del que será su primer disco en 20 años, 'The Endless River', que verá la luz el próximo10 de noviembre.

El contenido del álbum se desprende de las sesiones del hasta ahora último trabajo de la banda, 'The Division Bell' (1993), en el que participaron David Gilmour, Rick Wright (fallecido en 2008) y Nick Mason.

En 2013, David Gilmour y Nick Mason volvieron a escuchar la música de aquellas sesiones que no llegó a publicarse, y decidieron que había material para actualizarlo y elaborar todo un nuevo disco.

Capitaneados por Gilmour y Mason, los músicos han pasado el último año grabando y actualizando las canciones, utilizando los avances tecnológicos surgidos durante las dos últimas décadas para crear 'The Endless River'.

Este nuevo disco es, por tanto, un tributo a Rick Wright, cuyos teclados tienen una importancia capital en el sonido de Pink Floyd. Su contenido es principalmente instrumental, aunque cuenta con una canción, 'Louder Than Words', con letras de la mujer de David Gilmour, Polly Samson.

Las canciones han sido producidas por David Gilmour, Phil Manzanera, Youth y Andy Jackson. Este es el repertorio del disco:

Things Left Unsaid
It's What We Do
Ebb and Flow
Sum
Skins
AnisinaUnsung
The Lost Art of Conversation
On Noodle Street
Night Ligh'
Allons-y (1)
Autumn'68
Allons-y (2)
Talkin' Hawkin
Calling
Eyes to Pearls
Surfacing
Louder Than Words

Mark Knopfler publicará nuevo disco en 2015

(EUROPA PRESS) - Después de 'Privateering', el disco que editó en 2012, Mark Knopfler proseguirá con su carrera en solitario con 'Tracker', un nuevo trabajo que verá la luz a principios de 2015.

Este lanzamiento contará con una gira mundial de apoyo, cuyas primeras fechas ya están disponibles en su página web https://tour.markknopfler.com.

Los fans que adquieran entradas para estos conciertos en primer lugar tendrán opción a ser también los primeros en hacerse con el nuevo disco de Knopfler.

El primer concierto de esta gira tendrá lugar el 15 de mayo de 2015 en el 3Arena de Dublín (Irlanda). El músico visitará después países como Reino Unido, Alemania, Suiza, Bélgica, Holanda, Noruega, Suecia, Polonia y Austria.

AC/DC vuelve con nuevo disco en diciembre y gira mundial en 2015

(EUROPA PRESS) - Columbia Records anuncia este miércoles el lanzamiento de 'Rock or Bust,' el nuevo y esperado álbum de AC/DC, que saldrá a la venta el 2 de diciembre de este año 2014.

'Rock or Bust' contiene 11 nuevas canciones y es el primer álbum de estudio de la banda en seis años, desde el 'Black Ice' de 2008.

Este nuevo trabajo fue grabado en la primavera de 2014 en el Warehouse Studio en Vancouver, y ha sido producido una vez más por Brendan O'Brien y mezclado por Mike Fraser.

El 27 de septiembre, Turner Sports dará a conocer a los fans de la banda un adelanto del nuevo single 'Play Ball' como parte de la campaña de la fase final de la Major League de Baseball. El contenido se emitirá a lo largo de varias semanas en TBS, el canal que cubrirá en exclusiva la postemporada de la Liga Americana.

'Rock or Bust' es el primer álbum de AC/DC en los 41 años de historia de la banda en el que no participa uno de sus miembros fundadores, Malcolm Young. A principios de este año, AC/DC publicó un comunicado en el que explicaba que debido a una enfermedad, Malcolm se tomaría un descanso.

Ahora se confirma que Malcolm no podrá volver a tocar con la banda. A pesar de ello,AC/DC saldrá de gira para presentar 'Rock or Bust' en 2015 con Stevie Young, sobrino de los miembros fundadores Angus y Malcolm Young, como guitarra rítmica.

jueves, 17 de julio de 2014

Eric Clapton: "No sé lo que es el rock ahora"

El guitarrista Eric Clapton ha asegurado que no sabe "lo que es el rock ahora", a pesar de lo cual, ha añadido que la guitarra como instrumento está en "buenas manos" gracias a intérpretes como Gary Clark Jr, Jimmie Vaughan y Derek Trucks.

"Se trata de carácter. Se trata de humildad y de deseos de aprender, de estar al servicio de la música. Siempre va a haber alguien curioso que quiera aprender", ha apuntado en entrevista con Rolling Stone, para agregar después que Blake Mills es el último guitarrista que ha pensado que era "fenomenal".

De cara al futuro, Clapton ha insistido (como ya hiciera hace unos días) en que no quiere seguir trabajando "tan duro" como hasta ahora. "El próximo año podría hacer unos cuantos conciertos y decir que ya está bien, que esto es todo. Me apetece estar en el estudio y tocar para la familia", ha destacado.

En esta línea, ha asegurado que la pelea para seguir estando bien de salud, para ser "ágil y enérgico, se hace más dura cada vez". "La mayoría de las noches, si no estoy tocando, estoy viendo la tele en la cama a las diez", ha reconocido.


viernes, 11 de julio de 2014

Sonidos del Día: "La Garota de Ipanema"

Desde Antonio Carlos Jobim, Frank Sinatra, Amy Winehouse hasta Diana Krall; algunas de las versiones mas significativas y variadas de una de las canciones más representativas de Brasil



















Para celebrar el Mundial de Futbol que se realiza en Brasil, estaremos compartiendo sonidos, imágenes y textos que representan lo mejor de la cultura brasileña. Desde Antonio Carlos Jobim, Frank Sinatra, Amy Winehouse hasta Diana Krall; algunas de las versiones mas significativas y variadas de una de las canciones más representativas de Brasil. EN LA FOTO Helô Pinheiro LA CHICA QUE INSPIRÓ LA CANCIÓN.

jueves, 10 de julio de 2014

David Crosby y Graham Nash cantan en el nuevo disco de Pink Floyd

Nick Mason, David Gilmour y el desaparecido Rick Wright
David Crosby y Graham Nash han cantado en una canción del nuevo disco de Pink Floyd, el primero en 20 años, que llegará el próximo mes de octubre con el título de 'The Endless River'.

"Cantamos en esa canción que David (Gilmour) ha escrito sobre amigos que murieron. Es una canción preciosa"
 
'The Endless River' llegará a las tiendas el próximo mes de octubre con canciones de las sesiones de 'The Division Bell', el último disco hasta ahora de la banda, editado en 1994, que ahora han sido desarrolladas por Gilmour y Nick Mason.

También hay aportaciones de Rick Wright, tecladista del grupo fallecido en 2008. Según ha adelantado la banda, el contenido del disco es "principalmente instrumental".

Crosby y Nash participaron en 2006 y 2007 en el disco de David Gilmour "On an Island" así como en algunos de los conciertos de la gira y la grabación en vivo "Remember that Night"; en lo que fue la última colaboración de Rick Wright antes de su muerte.

El disco no cuenta con la participación de Roger Waters, uno de los fundadores de la banda que recien celebra su 50 aniversario de haber sido fundada. 

“The Endless River” comenzó a ser grabado en 1994, durante las sesiones de “Division Bell”, el último álbum de Pink Floyd, en el que solo participaron David Gilmour, Nick Mason y Richard Wright, fallecido en 2008. Gilmour y Mason completaron a finales del año pasado la parte instrumental del álbum, que contiene principalmente 

viernes, 27 de junio de 2014

Los Rolling Stones tocaron en el Santiago Bernabeu en Madrid


Puede que la actual gira europea de The Rolling Stones no sea más larga (14 ciudades) porque las compañías aseguradoras no han querido jugársela más de la cuenta, pero lo cierto es que Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood y Charlie Watts han dado este miércoles en Madrid una lección de longevidad y diríase que inmortalidad ante 54.000 personas en el estadio Santiago Bernabéu de Madrid.

Y es que entre los cuatro stones titulares (sin contar músicos de apoyo, coristas y demás) suman 280 años, pequeño dato sin importancia que no les impide dirigir ceremonias masivas que van más allá de lo musical para convertirse en eventos sociales imprescindibles. Como cualquier concierto de estadio, pero más. Posiblemente el Circo Máximo (no por casualidad actuaron en tan mitológico lugar el pasado domingo en Roma). Y con las entradas más caras que un bolsillo puede soportar, eso también.

Porque no son pocos los músicos que siguen en la brecha en plena senectud, pero ningún otro lo hace a este nivel de exigencia, con un espectáculo tan grandilocuente y una expectación similar. Como en su debut en España el 11 de junio de 1976 en la Plaza de Toros Monumental de Barcelona, pero exactamente 38 años y 14 días después. Los datos cantan y diríase que sale rentable vender tu alma al diablo a cambio de las mieles de la despreocupada vida eterna.


Con ese sentimiento en el ambiente, arranca el espectáculo (este es el término apropiado) a las 21:50 horas. Se apagan las luces y ahí se hace carne y lentejuelas Mick Jagger, vedette inagotable y ultrafondista inalcanzable, capaz de enfundarse en ropajes de colores chillones en absoluto recomendables para un bisabuelo de 70 años. Su carisma se lleva todas las miradas y él, que lo sabe, parece reírse de los que ya en los ochenta exigían la retirada de una banda demasiado vieja para el rock n' roll. Qué sabrán ellos.

Suenan 'Jumpin Jack Flash', 'You Got Me Rocking', 'It's Only Rock 'n' Roll', 'Tumbling Dice', 'Honky Tonk Women', 'Angie' y 'Like a Rolling Stone', que ha sido la canción popularmente votada por los madrileños en las redes sociales.

La euforia se adueña del Bernabéu como en las mejores veladas de madridismo desmadrado, con familias literalmente enteras entregadas a la causa con varias generaciones unidas en este preciso punto de la continuidad espacio-tiempo. Tal demostración de poder y relevancia no puede resultar baladí.

Y sí, han perdido pericia, fuelle, vigor (Mick no, eso no). Muestran además una presencia escénica más bien frágil, quizás incluso amplificada en las grandes pantallas de detallista definición (¿quién dijo que las estrellas no pueden lucir arrugadas y acartonadas?). Pero por encima de todas esas obviedades inevitables está un repertorio básico para cualquier melómano. No hemos cruzado el ecuador de la velada y ya han sonado varios clásicos por los que un músico cualquiera bien vendería su alma y las de sus descendientes al dichoso belcebú, tan omnipresente para explicar el reinado de Sus Satánicas y Eternas Majestades.

Hay curiosidad por comprobar el estado de forma del siempre excesivo Keith Richards, que cumple a pesar de no pocos despistes, y que tiene su momento de lucimiento personal al ponerse al frente de la banda para cantar 'You got the Silver'. Sin duda está abollado por la vida, pero la guitarra le sigue quedando como a pocos y, además, cuenta con el siempre divertido Ron Wood a su lado (el más joven de todos con 67 años) para compartir la opresiva responsabilidad de ejecutar los riffs de guitarras de los Stones.


Hablando de guitarristas, 'Midnight Rambler' se ha convertido en un momento álgido para los amantes de las cuerdas con la aparición del rasgador Mick Taylor, miembro de los Rolling Stones entre 1969 y 1974 (entre el difunto Brian Jones y el actual Ron Wood), invitado a esta gira por aquello de la celebración y en reconocimiento a sus aportaciones en la etapa más creativa de la banda.

Desde el fondo del escenario, Charlie Watts (el más mayor con 73 años y un cáncer superado) es la locomotora que, como los coches de antes, no tiene fecha de caducidad a pesar de lo que pueda sugerir la canosa y esmirriada fachada, pues los bateristas de jazz no son en absoluto fáciles de doblegar.

El show discurre entre predecible y efectista, es decir, funciona. La banda interpreta otras canciones, provocando euforia, éxtasis y consiguiendo en no pocos momentos el milagro de que el dinosáurico rock de estadio carezca de edad física.

En el tramo final los éxitos se suceden con pasmosa facilidad con un repertorio imbatible, apoyado por un despliegue escénico a la altura de las expectativas, aunque más modesto que en épocas pasadas. Ahí están 'Miss You', 'Gimme Shelter', 'Start Me Up', 'Sympathy for the Devil', 'Brown Sugar', 'You Can't Always Get What You Want' y la apoteósis final con 'Satisfaction', con las guitarras de nuevo de Keith Richards y Ron Wood a un todavía volúmen más absoluto.


Y entonces 52 años de Rolling Stones se resumen en 2 horas y 15 minutos. Y entonces 52 años de canciones, de peleas, de excesos, de vicios, de vueltas al mundo, de leyendas, de escándalos y de (claro) música encuentran su colofón en unos fuegos artificiales que alumbran el cielo negro de la noche madrileña con una inevitable pregunta entre la satisfecha concurrencia. ¿Habrá sido realmente la última?

Porque el día que los Stones decidan apagar los amplificadores y precintar la caja registradora, el rock quedará tocado de muerte. Por eso resulta reconfortante comprobar cómo una pandilla de abuelos (con el bisabuelo Mick al frente) es todavía capaz de patear traseros con desafiante insolencia y generoso derroche energético. Y ahora, ya en serio, ¿habrá sido realmente la última?

Eric Clapton piensa retirarse

(EUROPA PRESS) - Eric Clapton está pensando en dejar los escenarios porque cree que salir de gira es "insoportable", según ha manifestado durante una entrevista concedida a la revista británica 'Uncut'.

Clapton, quien cumplirá 70 años en marzo de 2015, ha manifestado además que los "achaques" que padece podrían obligarle a dejar de tocar la guitarra por completo. Su intención es concentrarse en el trabajo de estudio, una actividad que podría afectar a sus actuaciones en directo, según indica.

"Hay cientos de cosas que me gustaría hacer, pero también estoy pensando en retirarme. Lo que sí me permitiré hacer es continuar grabando en el estudio. No quiero desaparecer hasta el punto de avergonzarme a mí mismo", ha señalado.

En cuanto a las giras, Eric Clapton ha señalado que "la carretera se ha convertido en algo insoportable". "Es inasequible, porque lleva mucho tiempo llegar a cualquier sitio, es hostil: llegar y salir de los aeropuertos, viajar en aviones y coches", indica.

Clapton (Ripley, Reino Unido, 1945) es uno de los músicos británicos más importantes del rock europeo, cuya contribución a la música destaca especialmente por sus composiciones de blues, así como por haber formado parte de grupos esenciales en la historia de la música como Cream o The Yardbirds, o por sus más de 20 trabajos en solitario. Entre sus canciones, destacan temas como 'Tears in heaven', 'Layla', 'My Father's Eyes' o 'Wonderful Tonight'.

Nota Relacionada: 

Sonidos del Día: Eric Clapton - MTV Unplugged FULL concert - HQ



jueves, 26 de junio de 2014

Sonidos del Día: Caetano Veloso: "Abraçaço - Multishow Ao Vivo", 2014




Para celebrar el Mundial de Futbol que se realiza en Brasil, estaremos compartiendo sonidos, imágenes y textos que representan lo mejor de la cultura brasileña. Caetano Veloso, otro clásico de la música brasilena y su concierto "Abraçaço - Multishow Ao Vivo", presentado este año.

01 - A bossa nova é foda (Caetano Veloso) 0:35
02 - Lindeza (Caetano Veloso) 4:40
03 - Quando o galo cantou (Caetano Veloso) 6:40
04 - Um Abraçaço (Caetano Veloso) 10:42
05 - Parabéns (Caetano Veloso/Mauro Lima) 15:49
06 - Homem (Caetano Veloso) 19:16
07 - Um comunista (Caetano Veloso) 23:37
08 - Triste Bahia (poema de Mattos/Caetano Veloso) 31:30
09 - Estou triste (poema de Mattos/Caetano Veloso) 37:25
10 - Odeio (Caetano Veloso) 41:29
11 - Escapulário (poema de Andrade/Caetano Veloso) 47:35
12 - Funk Melódico (Caetano Veloso)
13 - Alguém Cantando (Caetano Veloso) 54:04
14 - Quero ser justo (Caetano Veloso) 
15 - Eclipse oculto (Caetano Veloso) 
16 - Mãe (Caetano Veloso)
17 - De noite na cama (Caetano Veloso) 
18 - O império da lei (Caetano Veloso) 
19 - Reconvexo (Caetano Veloso) 
20 - Você não entende nada (Caetano Veloso)
21 - Gayana (Rogério Duarte)
22 - Vinco (Caetano Veloso) 
23 - A luz de Tieta (Caetano Veloso) 
24 - Outro (Caetano Veloso)
25 - Um índio (Caetano Veloso)

martes, 24 de junio de 2014

Robert Plant 'Rainbow' | Official Track


Después de haber rechazado públicamente resucitar a su antigua banda Led Zeppelin, el vocalista Robert Plant publicará el próximo 9 de septiembre su nuevo disco de estudio en solitario, titulado 'Lullaby... And The Ceaseless Roar'.


Este álbum estará integrado por 11 nuevas canciones, de las cuales nueve están compuestas por Plant y su banda actual, The Sensational Space Shifters. Además, el cantante ha mostrado ya un primer anticipo titulado 'Rainbow'.

"Es un disco muy crujiente y arenoso, muy de África occidental y muy Massive Attack.Tiene mucho fondo, por lo que incluso podría sonar bien en una fiesta jamaicana", ha declarado a Rolling Stone.

En un comunicado, Plant ha añadido que se siente muy afortunado de trabajar con The Sensational Space Shifters. "Proceden de áreas excitantes de la música contemporánea.Así que puedo expresar mis sentimientos a través de poderosas melodías y un sonido caleidoscópico".


domingo, 22 de junio de 2014

Las bodas de Fígaro, versión juguetona que invita a los niños al mundo de la ópera.

- Presentarán cuatro funciones en el Centro Cultural Helénico del Conaculta: sábados 21 y 28 de junio, y 5 y 12 de julio a las 13:00 horas.

- Jaime Matarredona da versión corta de este clásico con música de Mozart y aderezada con escenografía multimedia.

Una comedia de enredos que hará reír a chicos y grandes es la puesta en escena Las bodas de Fígaro, una ópera clásica con música de Wolfgang Amadeus Mozart que se presentará en el Centro Cultural Helénico en el Ciclo de Verano Ópera para Niños.

Aunque se trata de una historia complicada, ya que cuenta los atropellados preparativos que deben superar Susana y Fígaro para casarse, ante el derecho de pernada que como señor feudal quiere ejercer el conde de Almaviva, la compañía Arpegio Producciones creó una versión juguetona para el público infantil.

El director de esta puesta en escena, Jaime Matarredona, comentó que como se trata de una comedia de enredos “le quitamos la parte picarona, porque se trata de que el señor feudal tenía normalmente el derecho de pernada sobre los sirvientes, por eso se quiere aprovechar de Susanita que está muy guapa. Lo que hicimos, de manera muy light, es jugar como que al conde le gusta Susanita”.

Además, señaló en entrevista con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, la obra se adaptó para que los actores “en vez de que canten todo el tiempo, sea como una comedia musical, cantan un poco y hacemos una escena, luego cantan otro tanto y hacemos otra escena, eso lo hace muy dinámico, está hecha de una manera no estática como la ópera, sino más bien como comedia musical, muy cotorro”.

Esta versión de Las bodas de Fígaro, que ya se ha presentado con éxito en otros recintos, como el Lunario del Auditorio Nacional y el Teatro Zentrika de Santa Fe, de acuerdo con su director, es “un acercamiento muy bueno a la ópera, porque no te chutas la ópera entera, hacemos como un resumen y eso le da una dinámica muy padre para quienes están iniciándose en este mundo, ya sea niños o adultos”.

Y es que justamente, dijo, “estamos tratando de acercar al público infantil y generar nuevo público de ópera, también un poco de romper esta imagen tan ortodoxa que existe de la ópera”.

La soprano Sandra Maliká, integrante del Coro de la Ópera de Bellas Artes, quien interpreta a la condesa de Almaviva, aseguró que se trata de una obra divertidísima y ágil, se va como agua, a pesar de que no tiene intermedio.

“La puesta en escena es muy dinámica, es una adaptación hecha para niños, pues la ópera completa dura cuatro horas y nuestro montaje sólo una hora 20 minutos, porque lo cual la gran opera Las bodas de Fígaro la hacemos en versión chiquita, reducida en tiempos, incluso en personajes, pero no por ello es menos atractiva; por el contrario (…) el resultado es que el público se ríe todo el tiempo, de hecho esta ópera en sus orígenes es cómica y nosotros sacamos lo más importante de la historia y lo hacemos en una versión chiquita”.

La también soprano Denise de Ramery, quien lleva más de siete años en Arpegio Producciones, señaló que como es una compañía de ópera independiente para niños, presentan montajes aptos para el público infantil, con una duración máxima de una hora 20 minutos de espectáculo.

En este caso, agregó, “todos los diálogos son hablados en español, hay una interacción entre cantantes, que es muy actoral, para acercar al público a la trama, se cantan algunas partes en el idioma en que fueron escritas, aparte hay subtítulos para que la gente entienda lo que se dice en escena; la escenografía es hecha con multimedia, eso hace que las cosas estén más cercanas a un público actual”.

La conjunción de todos estos elementos, dijo la soprano, permite que “los chavos salgan súper divertidos, los papás agradecidos de que estemos ofreciendo una propuesta que sea dinámica, atractiva y alternativa, porque también hay otras opciones que pueden apelar a un buen criterio por parte de los niños. Los niños no son tontos y pueden apreciar música y cosas clásicas de primer nivel, sin ningún problema”.

Aunque se trata de una versión para niños, Sylvia Rittner, directora artística de Las bodas de Fígaro, advirtió: “Lo que estamos haciendo es ópera, no es teatro para niños o espectáculos para niños”, por lo que inclusive Arpegio Producciones tiene a los mejores cantantes mexicanos, “al equipo pesado de la ópera infantil de México”.

La también productora ejecutiva del montaje destacó que para lograr un mayor atractivo la compañía utiliza escenografías virtuales narrativas, es decir, en vez de cicloramas y pantallas aparecen ideas y objetos que van más allá de la mera escenografía, ya que en este caso la virtualidad también es narrativa: “pasan cosas y hacemos escenarios como de caricatura, todo esto se tiene que adecuar a las necesidades de la escena”.

Y es que, dijo, “trabajamos con un público que no es el de la ópera, un público para el cual no se escriben las óperas ni los libretos, en este caso Las bodas de Fígaro es un tema delicado, es un tema de adultos, es el derecho de pernada que tenían los señores feudales, entonces cómo hacemos para que los niños puedan disfrutar de la música de Mozart, que es maravillosa, y puedan sin tocar el tema de manera abrupta comprender de qué se trata esto”.

Por ello esta puesta se mantiene como una comedia de enredos, donde “los niños se ríen, se divierten y salen también con las orejas llenas de una música increíble, con cantantes de primerísima”.

Sylvia Rittner indicó que los escenarios virtuales también les sirven para manifestar ciertas cosas y los niños comprendan sin tener que leer los subtítulos, ya que “no traducimos las arias, los duetos, no las hacemos en español, se cantan en idioma original, es nuestro interés que presencien auditivamente, que tengan el contacto con la ópera como es (…) no queremos variar ni el contenido ni la musicalidad, nada; no tenemos que inventar cosas, la ópera ya es un arte muy completo”.

Precisamente el director musical, Miguel Hernández Bautista, destacó que la adaptación respetó la idea original del compositor austriaco, “siempre es la música de Mozart, sería un pecado tocarla” y más bien, sólo se acortó para que durara el tiempo para que los niños no se aburran y sea comprensible para todo el mundo.

Aseguró que Wolfgang Amadeus es alguien que no tiene tiempo y Las bodas de Fígaro es una comedia maravillosa, “siempre con el encanto de la música de Mozart, que es tan fina, tan inteligente” y esta puesta en escena de Jaime Matarredona “tiene a los niños todo el tiempo con ¿qué va a pasar ahora? y los enredos que se van desarrollando; todo mundo está ‘¿qué sigue, qué sigue?, no lo hagas, no abras la puerta’”.

Acústicamente, agregó el también director general del CentrÓpera Enrique Jaso, Las bodas de Fígaro es una ópera muy bonita y “los niños responden de una manera tan impresionante cuando la música es bonita, nos pasa sobre todo con Mozart, les crea una sensación de confort y tratamos de escoger los números más aptos para el desarrollo de la obra y que acústicamente fueran bonitos”.

Señaló que fomentar el acercamiento de los pequeños a la ópera es una de las grandes oportunidades para que haya una generación cada vez mejor de mexicanos, ya que “la ópera conjunta el teatro, el ballet, la música, la actuación; entonces, eso le va a dar una serie de elementos al niño que cuando va creciendo tiene una mayor amplitud en cuanto a rangos de opciones para su desarrollo”.

Aunque este montaje está pensado para los pequeños, el director musical advirtió que “hemos mezclado un poco para que la lectura sea fácil para los niños y haya algo más subliminal, para que los padres entiendan otras cosas” y los grandes también se diviertan.

Justamente la soprano Denise de Ramery, quien da vida a Cherubino, “un chavito que anda detrás de todas las mujeres que se pueda uno imaginar”, ya que en la época de Mozart había papeles masculinos interpretados por mujeres, comentó que Las bodas de Fígaro es una de las puestas en escena más divertidas y dinámicas de Arpegio Producciones, pues se buscaron los mayores tintes cómicos del libreto original.

Por ello, aseguró que “los adultos se van a divertir, es para todo el público, tenemos también puntadas y cosas que les van a dar mucha risa a los papás, el pretexto es llevar a los niños, pero los papás también aprenden, conocen, se divierten y sea quienes nunca en su vida han ido a la ópera o quienes ya conocen y les gusta el género, es muy accesible para todos y se divierten mucho, dura muy poco, una hora 20 minutos; es para pasar el fin de semana bonito con la familia y hacer una actividad diferente”.

La invitación, señaló Sandra Maliká, es para quienes quieran divertirse con esta ópera que se presenta durante una corta temporada en el Teatro Helénico, lo cual, dijo, hace feliz a todo el equipo de Arpegio, por la oportunidad de estar en un foro de tanto prestigio en la Ciudad de México, al cual incluso calificó como un “teatro mágico”.

También Sylvia Rittner celebró la presentación en el Helénico, ya que se trata de una experiencia extraordinaria, pues es un lugar de gran tradición para las artes escénicas. “No es un teatro antiguo del siglo XIX, es un teatro del siglo XX, pero te deja esa sensación que nos ha dejado estar en el Teatro Juárez de Guanajuato, estos lugares emblemáticos, es un sitio emblemático del sur de la ciudad, por todo lo que ocurre ahí, en ese escenario”.

Además, dijo, contribuye al proyecto de la compañía de construir público para la ópera, que será quien en un futuro asistirá a las grandes salas de conciertos. “El Helénico da la oportunidad para que no estemos en espacios donde está muy caro el boleto o esté muy lejos”.

Será una corta temporada de cuatro funciones: los sábados 21 y 28 de junio y 5 y 12 de julio, en punto de las 13:00 horas, ya que “lo que queremos es que después llamen a gritos a la ópera para niños” en ese tipo de recintos, bromeó Sylvia Rittner.

Lo más importante, agregó, es que “el público vea que respetamos a los niños, que cada vez tenemos mejores propuestas en términos de cantantes que tienen todo el nivel, que estamos comprometidos con nuestro trabajo, que lo hacemos con seriedad, no estamos jugando a hacer ópera, estamos haciendo ópera en reducciones, con propuestas escénicas originales, tratando de mantener el lenguaje operístico con mucha calidad, hasta en los hilos del vestuario”.

Finalmente, Denise de Ramery aseguró que la ópera y estas expresiones artísticas “por supuesto que impactan la mente del niño, la emoción, y están ahí, siembran pequeñas semillitas como para seguir explorando ese repertorio, seguirlo escuchando, en algunos casos habrá chavitos que les interese empezar a estudiar y a explorar la música”.

El montaje de la ópera Las bodas de Fígaro en versión infantil se presentará dentro del Ciclo de Verano Ópera para Niños en el Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, colonia Guadalupe Inn; el boleto tiene un costo de 150 pesos.

viernes, 20 de junio de 2014

Sonidos del Día: Maria Rita, Samba Meu + Águas De Março



Para celebrar el Mundial de Futbol que se realiza en Brasil, estaremos compartiendo sonidos, imágenes y textos que representan lo mejor de la cultura brasileña. María Rita hija de Elis Regina y del compositor César Camargo Mariano ha hecho una carrera desde el año 2001 y es actualmente la mejor voz femenina de Brasil.


miércoles, 18 de junio de 2014

Sonidos del Día: Tania Maria, concierto Francia 2000



Para celebrar el Mundial de Futbol que se realiza en Brasil, estaremos compartiendo sonidos, imágenes y textos que representan lo mejor de la cultura brasileña. Tania María, pianista, compositora, jazzista brasileña, en su concierto en Francia el año 2000.


lunes, 16 de junio de 2014

App de Bjork es ingresada al MOMA

Hemos visto como las aplicaciones para dispositivos móviles han mejorado tanto en su diseño que algunas son verdaderas obras de arte. Precisamente para dejar un precedente en el desarrollo de aplicaciones móviles, la aplicación desarrollada para el álbum Biophilia de Bjork, ha sido aceptada en el Museo de Arte Moderno (MoMA por sus siglas en inglés) como parte de la colección permanente del museo.

Biophilia fue lanzada en el 2011, y se trata de un proyecto de arte/álbum que fue salió tanto en CD, como en aplicación. Cada canción del disco fue grabada para iPad, de modo que además de poder ser reproducida, podía ser jugada como un juego.

A decir del MoMA “la aplicación refleja el interés del artista en un proceso colaborativo que incluye no sólo a otros artistas, ingenieros y músicos, si no también a amateurs espléndidos -las personas que descargan y reproducen la app/álbum)”. El museo anteriormente ha adquirido artefactos digitales como videojuegos, videos, fuentes e incluso código, pero el trabajo de Bjork en la aplicación es el primero en su clase.



Además de la aplicación de Bjork, hay otras aplicaciones que se han integrado al acervo de los museos como los videojuegos Flower y Halo 2600 en el Smithsonian American Art Museum y la app Planetary que fue incorporada junto con su código fuente a la colección del Cooper-Hewitt, National Design Museum.

Publicado Cuando las apps se vuelven arte: Aplicación de Bjork es aceptada en la colección del MoMA

viernes, 13 de junio de 2014

Sonidos del Día: Tom Jobim Live Concert 1986, Festival Intl De Jazz, Montreal, Canada


El más grande representante de la música contemporanea brasileña, Antonio Carlos Jobim; en concierto durante el Festival de Jazz de Montreal.


jueves, 12 de junio de 2014

Sonidos del Día, Brasil 2014: Elis Regina - Completo Programa Ensaio TV Cultura 1973 (Video)


Para celebrar el Mundial de Futbol que se realiza en Brasil, estaremos compartiendo sonidos, imágenes y textos que representan lo mejor de la cultura brasileña. Para empezar, La talentosa Elis Regina en una grabación de 1973 cantando en vivo.


domingo, 8 de junio de 2014

'Born in the USA' de Bruce Springsteen cumple 30 años

El 4 de junio de 1984 la vida de Bruce Springsteen cambió para siempre con la edición de 'Born in the USA', el disco que le convertiría en el rey de los estadios y el ídolo del rock que conocemos hoy en día.

Era el séptimo trabajo de una trayectoria que contaba ya con joyas como 'Born to Run' (1975), 'Darkness on the Edge of Town' (1978), 'The River' (1980) y 'Nebraska' (1982). Pero el salto cuantitativo estaba por llegar.

Tanto cambió la vida de Springsteen que desde mitad de los ochenta nunca volvió a ofrecer un disco tan incontestable como los mencionados, al tiempo que sus conciertos se convertían en ceremonias inapelables para festejar la veracidad del rock.

Aunque en realidad el grueso de 'Born in the USA' eran piezas acústicas inicialmente destinadas al 'Nebraska' de 1982, Springsteen las remozó junto a The E Street Band paraconvertirlas en piezas fundamentales del rock de los ochenta, plagadas de sintetizadores típicos de la época.

La jugada le salió perfecta a un Springsteen que venía de un disco acústico y terminó colocando a 'Born in the USA' como el disco más vendido de 1985, y que actualmente ya ha superado los 30 millones de copias despachadas en todo el mundo.

Y eso a pesar de no ser el disco favorito de sus fanáticos. A pesar de este 'pequeño' detalle, muchas de sus canciones son fijas en los conciertos de Bruce Springsteen, quien incluso en su última gira ha tocado este álbum en su totalidad de principio a fin.

La cuestión es que a pesar del paso del tiempo, 'Born in the USA', 'Cover Me', 'Darlington County', 'Working on the highway', 'Downdound train', 'I'm on fire', 'No surrender', 'Bobby Jean', 'I'm going down', 'Glory days', 'Dancing in the dark' y 'My hometown'siguen entre nosotros y bien merecen un homenaje.

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Todos los álbumes japoneses de los Beatles en una caja

Los cinco álbumes japoneses de los Beatles: Meet the Beatles!, The Beatles. Second Album (Beatles NO. 2), A Hard Day's Night, Beatles No. 5 yHelp!, recopilados en una caja que saldrá a la venta el próximo 15 de julio.

Para las grabaciones que se introducirán en The Beatles Japan Box se ha recurrido a las remasterizaciones de 2009. La caja también incluye un libro de 100 páginas y las portadas de los álbumes tratan de reproducir el diseño de la portada de los LPs originales.

Cabe destacar que para Meet the Beatles! y The Beatles. Second Album (Beatles NO. 2), se han añadido las versiones monofónicas. Por otro lado, A Hard Day's Night y Help! tendrán el mismo tracklist de las ediciones inglesas, pero con una cubierta diferente.

También será diferente la portada de Beatles No. 5, para la que se ha utilizado la carátula inglesa de Beatles.

CONTENIDO DE THE BEATLES JAPAN BOX:

Meet the Beatles!
'I Want to Hold Your Hand'
'She Loves You'
'From Me to You'
'Twist and Shout'
'Love Me Do'
'Baby, It's You'
'Don't Bother Me'
'Please Please Me'
'I Saw Her Standing There'
'P.S. I Love You'
'Little Child'
'All My Loving'
'Hold Me Tight'
'Please Mr. Postman'

The Beatles. Second Album (Beatles No. 2)
'Can't Buy Me Love'
'Do You Want to Know a Secret'
'Thank You Girl'
'A Taste of Honey'
'It Won't Be Long'
'I Wanna Be Your Man'
'There's a Place'
'Roll Over Beethoven'
'Misery'
'Boys'
'Devil in Her Heart'
'Not a Second Time'
'Money'
'Till There Was You'
A Hard Day's Night
'A Hard Day's Night'
'I Should Have Known Better'
'If I Fell'
'I'm Happy Just to Dance with You'
'And I Love Her'
'Tell Me Why'
'Can't Buy Me Love'
'Any Time at All'
'I'll Cry Instead'
'Things We Said Today'
'When I Get Home'
'You Can't Do That'
'I'll Be Back'

Beatles No. 5
'Long Tall Sally'
'Sie Liebt Dich'
'Anna (Go to Him)'
'Matchbox'
'You Really Got a Hold on Me'
'She's a Woman'
'Ask Me Why'
'I Feel Fine'
'Komm, Gib Mir Deine Hand'
'Chains'
'Slow Down'
'All I've Got to Do'
'I Call Your Name'
'This Boy'

Help!
'Help!'
'The Night Before'
'You've Got to Hide Your Love Away'
'I Need You'
'Another Girl'
'You're Going to Lose That Girl'
'Ticket to Ride'
'Act Naturally'
'It's Only Love'
'You Like Me Too Much'
'Tell Me What You See'
'I've Just Seen a Face'
'Yesterday'
'Dizzy Miss Lizzy'

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miércoles, 4 de junio de 2014

Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, acompañada por el violinista británico Irvine Arditti, se presentará en el Palacio de Bellas Artes

El programa estará integrado por piezas clásicas del siglo XX que requieren de gran precisión para el solista y los miembros de la orquesta, señaló el director artístico de la agrupación, José Areán

En el marco del 80 Aniversario del Palacio de Bellas Artes, la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México (OFCM) no podía faltar, dijo José Areán, director artístico de la agrupación que se presentará el sábado 14 de junio, a las 19:00 horas, en la Sala principal del recinto de mármol, en compañía del violinista británico Irvine Arditti, a quien considera uno de los más grandes exponentes de este instrumento de cuerdas en la música contemporánea.

Será un programa espectacular, dijo Areán, y señaló que estará integrado por piezas clásicas del siglo XX que requieren de gran precisión para el solista y los miembros de la orquesta.

En la primera parte del concierto se interpretará el Concierto para violín de György Ligeti, en el que tiene gran relevancia el violín principal –que ejecutará Arditti–, el segundo violín y la primera viola. “En el caso de los violines, se utilizarán instrumentos especiales, ya que deben estar ‘desafinados’ con ciertas reglas para poder emitir el sonido muy particular de aparente desincronización entre los instrumentos, por lo que existe una gran expectación de lo que pueda suceder en el concierto”, dijo Areán.

“Es una obra que requiere de un oído impresionante para percibir el acorde disonante, cualidad que posee Irvine Arditti. Es impresionante su virtuosismo”, señaló el conductor de la OFCM, quien agregó que Arditti no ha reinventado la técnica del instrumento, “sino que es generador de una nueva técnica.”

La segunda parte del programa estará dedicada a Richard Strauss en el 150 Aniversario de su natalicio, de quien se interpretará Una vida de héroe, obra monumental que habla de la vida misma del autor.

A través de esta obra, Strauss plasmó su búsqueda de la espiritualidad por medio del arte y el artista, ya que anteriormente había declarado que la espiritualidad no se alcanza por la religión.

Esta obra es la descripción de la vida de un artista que se debate filosóficamente ante la vida y termina con su muerte, por lo que se puede pensar que Strauss pensaba que él era ese héroe.

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